Videoproyecciones e instalación performativa (Entrada de la Victoria) Jueves 4 y Viernes 5.

VIDEOPROYECCIONES

-PROYECCIÓN DE DOCUMENTACIÓN DEL FESTIVAL ACCIÓN!MAD.

Con la colaboración de Acción!Mad.

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Acción!Mad es un festival de referencia, que se ha consolidado a partir de 16 ediciones en el panorama del arte de acción y el arte contemporáneo. Acción!Mad es un encuentro internacional que nos permite descubrir los distintos lenguajes sobre lo performático. Por sus jornadas han pasado artistas de la talla de Esther Ferrer, Concha Jeréz, Nieves Correa y Abel Loureda, Yolanda Pérez Herreras, Ben Patterson, entre otros… haciendo una labor inestimable por el arte de acción en España. De la misma forma, contribuye a la formación de aquellos artistas que desean explorar los lenguajes performativos, con el espacio Frágil, desarrollando talleres tanto en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense como en otros espacios, permitiendo a los estudiantes a adquirir un aprendizaje indispensable en el arte de acción, una docencia impartida por Nieves Correa.

Quisieramos agradecer al equipo de dirección y coordinación de la Asociación Acción!Mad, con especial mención a Nieves Correa y Abel Loureda, por la cesión de estos documentos audiovisuales, que serán proyectados durante estas jornadas y que serán un valor enriquecedor a tener en cuenta; al igual que la valiosa ayuda a la hora de crear el I Congreso de Arte de Acción U.C.M Accion Spring(t) y su predisposición a la asistencia y difusión del mismo.

 

*Acción! Mad 09

Eva Pérez, Ryszard Piegza, Antonio Gómez, Anna Kalwajtys, Isabel León, Ángela García, Pepe Murciego, Roxana Popelka, Belén cueto, Guy Sioui durand, Carlos Felices, J.M Calleja, Catie de Balmann, Hohn G.Boehme, María Marticorena, Esther Ferrer, Monika Günther, Ruedi schill, La Muga Caula, Kai Lam, Fernando Baena, Kurt Johannessen, Nezaket Ekici, Denys Blacker.

 

*Acción! Mad 10

Essi Kausalainen, Catie de Balmann, Guiuseppe Dominguez, Marco Teubner, Ana Matey, Edu Hurtado, El Gato con Moscas, Fiacha O’Donnell, Federico Guardabrazo, Beatriz Hoyos y Sara Laguna, Darío Buñuel Fanconi, Borja Gómez, Rubén Barroso, Elvira Santamaría, Christopher Hewitt, Gaetan Rusquet, Sandra Johnston, María Cosmes, Christopher Hewitt, Ornic’Art, Adina Bar On, Gwendoline Robin, Domix Garrido, Bartolomé Ferrando, Zhou Bin, Fabien Montmartin , Rosa Mesa, Ana Oliva Higueras, Isidoro Valcarcel Medina, Zhou Bin, Llorens Barber, Antti Laitinen, Rosa Galindo, Concha Jerez y José Iges.

 

*Acción! Mad 12

Jussara Setenta, Leda Muhana, Nieves Correa,Paula Carneiro Dias, Giltanei Amorim, Aldren Lincoln, Giltanei Amorim, Mab Cardoso,Olga Lamas, Carolina Falcao, Laura Pacheco, Yolanda Pérez Herreras, Ana Isabel Garrido, Beatriu Codonyer, Giovanni Fontana, Anet van de Elzen, Monica Ross, Rubén Barroso, Giovanni Fontana, Irene de Madrazo, Pere Sousa, Alejandro Otero Martin, Alexander Ríos, Ana Rosa Sánchez, Ángela Hernández Domingo,Azahara Gagaliot, Carmen González García,Chari Cámara Bevia, Colectivo Gremio, Cristina Ortega, Francisco José Martínez Vélez, George Hutton, José Juan Bocanegra, Maria Andres Sanz, Mónica Aranegui, Mónica Porro, Pablo J. García de Durango, Pierre Valls, Almudena Millán, Joana Mollà, Belen Cueto, Pepe Murciego, Roxana Popelka, Alberto Chinchón, Miguel Palancares, Nora Tinholt, Robert Alda, Ana Rosa Sánchez, José Juan Bocanegra, Chiara Mulas, Guida Chambel, Marcel Sparmann, Nuno Oliveira, Oscar Abril Ascaso,Rita Marhaug, Serge Pey, BBB Johannes Deimling, Emilio López-Menchero, Fátima Miranda, Avelino Saavedra, Bartolomé Ferrando, Pedro Alba, Björn Neukom, Ida Grimsgaard, Kirsten Heshusius.

 

-EQUINOX TO EQUINOX: A GLOBAL PERFORMANCE DAY 

Con la colaboración de BBeyond Belfast y Acción!Mad. Organizado por BBeyond Belfast.

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Evento organizado por BBeyond Belfast el Jueves 22 de Septiembre de 2016, con el motivo del “Equinoccio de Otoño”. En este evento participaron artistas de todo el mundo, con sedes en distintas partes del globo. Las acciones comenzaban a las 18:00 h en sus respectivos países.

El vídeo proyectado es una síntesis de esta jornada, una recopilación de la documentación de las acciones que se dieron lugar.

*Artistas de la sede de Madrid (Paseo de Panamá, Parque del Retiro):

Ana Matey, Igor Sousa Simón, Eva Sarolta, Alba Maya Blowing,  Lorena Izquierdo, Sofía Misma, Xiaozhen Mao, Roxana Popelka, Pepe Murciego, Anna Bonfill Rivas, Analía Beltrán y Janés, Jesús García Plata, Muriel Andreu, Eloy Cruz del Prado, Belén Cueto, Susana SK, Ana AuB, Maria Vallina y Elisa Miravalles.
Coordinación y Documentación: Yolanda Pérez Herreras.

 

 

-PATRICIA PÉREZ, MARÍA SAYAGO, JESÚS GARCÍA PLATA. 

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Vídeo-Acción: Castuísmo.

La pieza nace a raíz de un sentimiento de añoranza de la tierra de procedencia de los tres artistas: Extremadura. La condición de emigrantes y la puesta en común de los elementos culturales que los unen conforman una comparativa de las similitudes y diferencias de un mismo territorio. Las palabras presentes en la acción al igual que el acento, son la impronta imborrable que permanece en las personas a través del tiempo y la distancia, buscando realzar la singularidad que poseen y aludir directamente al origen en sí mismo. La tierra que porta cada artista proviene del lugar de nacimiento de cada uno y refuerza así el sentimiento de procedencia, que junto a las palabras constituyen un discurso profundo y evocador. Como síntesis, la acción se convierte en una suerte de ritual, donde todos los elementos conjuran un pálpito desde el recuerdo de las raíces y la presencia del cuerpo nacido en el contexto de un territorio concreto.

Patricia Pérez, 1992, Salvatierra de los Barros Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Castilla la Mancha y Máster en Diseño por la Universidad Complutense de Madrid. Desarrolla su trabajo interdisciplinar que utiliza diferentes medios de expresión – instalación, performance, vídeo, dibujo,escritura,- con la intención de mostrar sus raíces, la forma de hablar y de expresarse, las costumbres y tradiciones. Pone en valor el acervo cultural de su tierra, indaga en su memoria, hace un re-conocimiento, una búsqueda de identidad continua. “Pretendo mantener vivo un lenguaje, el mío”

María Sayago, 1990, Valverde de Leganés. Artista multidisciplinar. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Sobre mi trabajo artístico siempre he tenido como objetivo que mis creaciones tengan un sentido introspectivo. Para mí es fundamental reflejar mis sensaciones interiores, conectarlas con mis ideas y llegar a plasmarlas en mi trabajo. Es esencial recoger toda la influencia que mi entorno me genera, junto a mis emociones, para finalmente llegar a expresarme con total libertad a través de la performance, la fotografía y la pintura.

Jesús García Plata, 1992, Malpartida de Cáceres. La investigación se centra en los mecanismos de percepción y comportamientos del espectador ante la imagen y la información a través de los medios de comunicación, en un lenguaje pluridisciplinar que se mueve en la experimentación plástica en procesos de repetición iconográfica, la acción y el objeto performático.

 

INSTALACIÓN

 

-ALVARO GIMÉNEZ IBAÑEZ 

TítuloThis show is currently out of entrepreneurship. We apologize for any inconvenience this may have caused.

[This show is currently out of entrepreneurship. We apologize for any inconvenience this may have caused.] realiza una cancelación del territorio habilitado para el uso artístico, una interrupción de la exigencia de producción obligatoria de imágenes. Recurre a la emergencia del anuncio de cierre temporal: la ofensiva indiferencia del respetuoso mensaje de error o colapso asume al público como cliente y, a su vez, el inadvertido corte del espacio por un objeto materialmente intrusivo (lona). Son dos conmponentes de una pieza que requiere una atmósfera propia, en la medida en que también el ambiente constituye parte de sí. No obstante, necesitará el dialogo con otras piezas en el entorno expositivo, sin perjuicio de su funcionalidad espacial autónoma. Esta estrategia tiene la intención de rechazar la constante promoción indiscriminada de emprendimiento, a la manera de Bartleby el escribiente. De tal forma, pretende recapacitar sobre el delirio y la autoexplotación del artista paranoide-productivo, inseguro, patrón de sí mismo, condición instalada por parte de los sistemas cultural y económico contemporáneos.

Web: alvarogimenez.tumblr.com

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Viernes 5- Acciones III (La Trasera, Edificio Principal y Jardín) y Acciones IV (Jardín)

ACCIONES III   11:30-15:00 h

 

-IRENE HOLGUÍN GÓMEZ, ALBERTO MARÍNEZ MUÑOL Y PAULA NOYA DE BLAS

Acción: Re-enactmen, institucionalización y espectáculo: El kardashianismo en el life performnace art.

 

-GONZALO MONTAÑÉS 

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Acción: #stopcreating /lecturas- Tres poemas sobre el agua

Gonzalo Montañés. En un mundo en el que casi el 100% de lo estímulos visuales que recibimos están postproducidos y poseen copyright, parece inconcebible que no se dé un continuo conflicto entre quienes toman estos elementos como inspiración o punto de partida para crear obras nuevas y quienes, autores de las primeras, perciben este acto como un robo, una explotación de su trabajo por parte de un tercero. Este proyecto supone una investigación en torno al contexto como creador de contenidos y a las líneas rojas que separan la derivación del plagio, así como la necesidad de reconcebir el concepto de “originalidad” y subrayar la importancia que tiene para la literatura contemporánea el tomar en cuenta los mass media en su creación.

Web: https://gonzalomontanes.wordpress.com/

 

-LAURA LLERA Y MARTA DONAMARÍA 

Acción: Nomad Code.

Comunicación sin palabras, sin códigos. Surge la pregunta de como sería el ser humano sin la técnica de la expresión, como aflorarían los sentimientos, las emociones sin el juicio censor y la barrera del código, y como el cuerpo es el canal entre el mundo interior y el exterior. 

 

-CARLOS TEJO

Imagen_2.jpgDerechos y silencios (II). TPA / torinoPERFORMANCEART 2014. Terza edizione. Torino, Italy. Comisariado de: Guido Salvini and Maria Maco. Fotografía de Guido Salvini

 

Acción: PIENSA.

Carlos Tejo. Profesor Titular en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo. Área de docencia: arte de acción. Paralelamente a su labor docente e investigadora ha impartido talleres y conferencias centradas en arte de acción en diferentes museos y universidades de -entre otros lugares- Alemania, Rumanía, EEUU, Portugal, Cuba o Brasil. Su trabajo como gestor cultural e investigador le ha llevado a dirigir o participar en proyectos como: “Aproximaciones a la performance española contemporánea”, Centro de Exposiciones de la ciudad de Buenos Aires, Argentina; “A vueltas con la performance”, ARTELEKU, San Sebastian; “Quietos para la foto: diferentes contextos para el arte de acción”, Kultur Gestiorako Bulegoa, UPV/EHU, Bilbao;  “La acción a debate” y “O corpo transparente” ambos en el Centro Galego de Arte Contemporáneo (CGAC) de Santiago de Compostela o “Corpos e corporalidades en crise”, XUGEX, Universidades de Vigo, Santiago y A Coruña. Entre los años 2004 al 2013 organiza y dirige “Chámalle X. Xornadas de Arte de Acción” desarrollado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo, Museo MARCO de Vigo y CGAC de Santiago de Compostela (http://webs.uvigo.es/chamalle/). Actualmente dirige junto a Marta Pol, la segunda edición del congreso centrado en arte de acción: “FUGAS E INTERFERENCIAS”. Este congreso anual se desarrollará en diciembre de 2017 en el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC), Santiago de Compostela.

Su trabajo como artista dentro del campo del arte de acción, se ha podido ver en diferentes festivales e instituciones; entre todos ellos, nos gustaría destacar: “Feria de Arte EXPOTRASTEIENDAS”, Buenos Aires, (2008); “McGlade Gallery”. Sídney, (2012); “LAPsody Festival”, Helsinki, (2013); “I Simposium sobre Arte de Acción”, Centro Cultural Octubre, Valencia, (2014); “La Muga Caula”, Figueras, (2014); “TPA. (Torino Performance Art Festival)”, Turin, (2014); “XXX Congreso de Psicodrama”; Pontevedra, (2015); CGAC, Santiago de Compostela, (2016); Palácio da Instrução Estevão de Mendonça; Cuiaba, Brasil (2016).

Contacto: carlos.tejo@uvigo.es

Web:  http://carlostejoveloso.tumblr.com/

 

-ZAIDA GÓMEZ

Acción: Sincerely yours. 

 

-ABEL BÁGUENA 

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Acción: You have the same 24 hours as Beyoncé. 

You have the same 24 as Beyoncé es una performance que trabaja en los límites entre la sexualidad, lo cómico y el absurdo. Desde una base performativa, utilizando el cuerpo, la relación cuerpo/objeto y el sonido, pero también inspirándose en la decadencia estética de la representación identitaria en las plataformas sociales, la pieza trata de salir del canon del arte de acción académico cruzando sutilmente el límite de lo que es el arte de acción y la exhibición,la pura interacción sujeto-objeto y entretenimiento, pretendiendo así incluir nuevos registros, como la comicidad en la acción a través de la muestra sutil de gestos naif a la par de tabú. La pieza asume y acepta, se supedita, a la influencia del canon en la presentación y representación objetualizada y mercantilizada del cuerpo, así como de la identidad, en las plataformas sociales, siendo un puente entre la performance como se ha entendido hasta ahora, en el uso del espacio, el tiempo, el cuerpo y el objeto, y las nuevas formas de presencia y existencia en los espacios metaversos, planteadas desde una perspectiva performativa.

Abel Báguena (Valencia, 1994) es un joven artista español enfocado en la introspección y el autorretrato, respecto a la identidad social y los roles de género. Para ello utiliza su propio cuerpo y elementos simbólicos como una forma de retratar su entorno. Báguena explora su posición entorno a la cuestión de género fuera de los parámetros usualmente establecidos y socialmente aceptados. Su trabajo combina diferentes disciplinas, desde el arte de acción, como son la instalación, el vídeo o la moda, para crear piezas multidisciplinares y con múltiples lecturas. Abel tiene en cuenta desde un principio el potencial político y narrativo del cuerpo, incluso cuando está implícito en el mismo, de modo que dichos cuerpos puedan generar ideas por sí mismos en una pieza, incluso sin pretenderlo de forma previa o explícita.

Web: www.abelbaguena.info

 

-MARÍA TAMARIT 

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Acción: Trasladar-me / Trasladarme.

Un montón de ropa, un cuerpo femenino, una radio inalámbrica, el tiempo presente, y los espectadores de esta performance, son los elementos que la componen. El cuerpo, semidesnudo, se ha despojado de la ropa, elemento que tanto nos representa, pero restablece la conexión con ésta. Poco a poco se convierten en una misma cosa. El cuerpo, en constante movimiento, forma parte ahora de una masa de prendas y tejidos, que en lugar de arropar o adornar al cuerpo, lo cargan. Lo cargan de un montón de identidades diferentes que giran en torno a la feminidad. Este movimiento deviene en una constante transformación. Entre los tejidos aparece el cuerpo fragmentado, una pierna, una mano, un costado… La piel resalta entre los estampados, y el cuerpo, autónomo, y siguiendo una misma dirección, va respondiendo al peso de la gravedad, va entrando en el suelo, girando, mostrándose y escondiéndose. Arrastrando su propio peso y el de las prendas. La voz de la radio nos reafirma tanto a la performer como a los espectadores en un momento presente común. La masa tiene una nueva dimensión sonora. Se compone sobre la espontaneidad de los programas radiofónicos que se están emitiendo. Una conversación cotidiana, una des-sintonización, una música, dialogan con el cuerpo femenino creando diferentes poéticas en torno a él y a la carga que arrastra. La ropa va dejando rastro, y quedándose atrás, y va desvelando cada vez más, el cuerpo que avanza. Hasta que este vuelve a quedarse desnudo e inmóvil.

María Tamarit. Nacida en 1994 en Valencia (ES). Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, donde comenzó a desarrollar un trabajo de investigación en torno a la performance y el arte intermedia. Actualmente cursa Danza Contemporánea en el Conservatorio Profesional de Danza de Valencia. Ha participado en festivales internacionales como Incubarte (Valencia), como integrante del Colectivo Albastru, y Acción! MAD (Madrid), dedicado exclusivamente al arte de acción. Su interés por el cuerpo y la posibilidad de canalizar diferentes ideas a través de él, la han llevado a realizar talleres con creadores de renombre internacional en relación a la acción, el arte contemporáneo, la práctica escénica contemporánea y el movement research.

 

-MARIO MONTOYA 

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Acción: Objeto otro 1.KAMI.

El diálogo es un proceso de descubrimiento de las posibilidades creativas que encierran sus y nuestras formas, de manera que, cuando la acción con un material no es realizada con intencionalidad, y entendemos por ello que no hay ejecutante, ni ejecutado, comienzan a desdibujarse los límites entre el cuerpo y el objeto, enriqueciendo así las diferentes lecturas de una acción poética.

Mario Montoya. Técnico superior en Fotografía artística y diseño por la Escuela de Arte de Sevilla, donde finalizó sus estudios con el proyecto: Alegoría de una familia desestructurada, obra que consiguió el reconocimiento de diferentes festivales internacionales y con la que ha participado en numerosas exposiciones, este recorrido finalizó en el 2014 cuando conoció a Bartolomé Ferrando y con él, al tiempo, al espacio y a la presencia, comenzando desde aquí una práctica artística centrada en la poesía de acción. Graduado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, donde desarrolló su investigación en torno a la relación cuerpo/objeto. En la actualidad ha realizado más de 70 exposiciones en este campo y muestra su obra en encuentros y festivales de carácter internacional. De forma paralela a sus producciones artísticas, dirige junto a Lorena Izquierdo la plataforma independiente Diáleg Obert, desde donde realizan la gestión y comisariado de diversos proyectos culturales en torno al Arte de Acción, como el programa de formación internacional FORMA-TEM, ofrecido desde el Teatre El Musical de Valencia o las Jornadas de Arte de Acción – Sobre la resistencia, encuentro anual que reúne a diferentes profesionales de la performance nacional.
Web: www.mariomontoya.net
-ALELY MEZA ORTEGA 

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Acción: Reflexiones sobre la imposibilidad.

 La imposibilidad como campo de trabajo y experimentación artística es uno de los temas que más representan mi producción visual; ésta se deriva de intereses personales que están ligados a mi forma de percibir el mundo y mi corporeidad. Pensar al ser humano y sus relaciones sociales dentro de parámetros que podrían describirse de desasosiego.

Estudiante de  la licenciatura en Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos, México.Actualmente cursa movilidad en la Universidad de Zaragoza campus Teruel. Dentro de su producción más relevante se encuentran las realizaciones performáticas: “Domingo triste” realizado en Parque Alameda Luis Donaldo Colosio en Fiesta de la Verdad del INAI (Instituto Nacional de Transparencia, Acceso a la Información y Protección de Datos Personales) Morelos, México, 2015. “El arte como sistema capital” realizado en el Museo de la Ciudad de Cuernavaca (MuCiC) Morelos, México,2015 “El otro de sí mismo” realizado en ENAPE (Encuentro Nacional de Performance) en Pachuca, México, 2016. “Todo susurro es pornográfico” realizado en Museo Ex Teresa Arte Actual, CDMX, 2016. De dichas piezas a adquirido reconocimientos,en 2015 y 2016. Ha participado en 5 exposiciones colectivas  mencionando:  “Espacios Íntimos”  Calles de Cuernavaca Morelos, México, 2016, como integrante de Colectivo Nómada. “Diacronìas”  Galería Facultad de Artes UAEM, Cuernavaca Morelos, México. 2016. Actualmente es integrante del Colectivo de performance Blanco Humano.

 

-NIKA LÓPEZ

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Acción: Desdoblamiento. 

Una acción que pretende expandir el pensamiento racional hacia nuevas percepciones para acceder a una consciencia más amplia, centrada en la sensibilidad del instante. El cuerpo juega y cambia, se transforma y vacía.
Me interesan las relaciones que se crean entre los objetos, dejándose llevar por sus energías. Como en una especie de trance llego a vincularme con la rama, generando un ritmo de acciones que despierten el sentimiento empático a través del movimiento. Intuición, fragilidad y sencillez.
Como ver el árbol, ver el alma

Nika López, nacida en 1994, vive y trabaja en Valencia, España. Conforme pasan los años se afirma en una ética ecológica, cuya ideología desarrolla a través del arte mediante una mirada interna y una escucha hacia entorno.
Graduada de honor por la Facultad de Bellas Artes de San Carlos en la Universitat Politècnica de València en 2016, se especializa en una práctica artística interdisciplinar, trabajando con diferentes medios como video, dibujo, fotografía, instalación y performance; pero siempre inspirada o dirigida por un amor hacia la naturaleza. Esta es la razón por la que excluye tanto derivados tóxicos como de origen animal en su trabajo.
Completa su formación asistiendo a workshops, destacando a Eulàlia Valldosera, Mónica Günther y Seiji Shimoda entre otras. También ha realizado residencias artísticas en distintas ciudades de España, como en Cádiz gracias a Beetime o en Barcelona, a través del Centro de Arte Contemporáneo y Sostenibilidad CACiS.
Además, desde que se inició en el arte de acción, ha asistido como invitada a distintos festivales como Acción!MAD16 Encuentro Internacional de Arte de Acción en el Matadero de Madrid, las II jornadas de Arte de Acción en la Fundaciò Caixa Castellò así como en la Sala La Gallera en Valencia, coordinadas por Bartolomé Ferrando, la 19ª edición del Festival Nits d’aielo i Arts, el Festival de música electrónica y experimental PINPANPUN y las Jornadas de arte de acción coordinadas por Diáleg Obert en Valencia. También ha participado en la exposición Tactile Bodies, Live Performance Art en Chipre y publicado su trabajo en Emergency INDEX Vol 6. An Annual Document of Performance Practice. Asimismo ha impartido su propio taller de arte de acción, titulado Mirar de Nuevo, prácticas artísticas para sensibilizar al cuerpo a través de la experiencia, en el Octubre Centre de Cultura Contemporànea de Valencia.

Web: www.nikalopez.com 

 

-ACCIÓN COLECTIVA, ALUMNOS DE 1º (COORDINADA POR MARÍA FERNÁNDEZ VÁZQUEZ) IARA ROSSETTI, RAÚL ALCAINE, EVA ZHU, ÁNGELA CAMPOS, BELÉN POUSSO Y NEREA DÍAZ. 

Acción: Km 0.

 

-MARÍA MENCHACA PAZ Y PAULA NOYA DE BLAS

Acción: Dinámica del desconocido.

María Menchaca Paz es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo, Graduada en Artes Plásticas especializada en diseño e ilustración por la Escuela Superior de Arte de Asturias y Master en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por la Universidad Autónoma y el Museo Reina Sofía de Madrid. Actualmente está realizando un Master en Gestión de Proyectos y Espacios Culturales. El mundo de las artes escénicas ha estado siempre presente en su formación, tanto a nivel artístico personal como comisariados independientes. Actualmente trabaja como ayudante de dirección del Programa de Artes Visuales Madrid 45. Línea 3 de la Comunidad de Madrid. Dirige junto a su socio Alejandro Castañeda el espacio non-profit de Madrid, COSA. Centro de Operaciones para Sustancias Artísticas, donde realizan labores de comisariado conjuntas así como desarrolla su labor de investigadora y diseñadora para el DIDDCC, Grupo de Investigación del CA2M de Móstoles basado en Investigación, Datos, Documentación, Cuestionamiento y Causalidad.

Paula Noya de Blas (Madrid, 1991) es graduada en Historia del Arte en la especialidad de Arte Contemporáneo por la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente cursa el posgrado de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual impartido en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ha trabajado en espacios y galerías de arte y también ha sido asistente en ferias como ARCO (2015-2017). Ha comisariado exposiciones en espacios alternativos como en Espacio Despligue con Malas hierbas o en Casa de citas con Memorama, y ha colaborado en proyectos como Entreacto (III) 2015. Ha desarrollado labores de asistencia en el Departamento de Colecciones en el servicio de Artes Performativas del Museo Reina Sofía. En la actualidad forma parte del del grupo de investigación DIDDCC en el Centro de Arte dos de Mayo (CA2M) que concluyó en una intervención en la exposición Colección XIV: Pública.

 

ACCIONES IV    16:00-18:00 h

 

-ALEJANDRO MONTES

Acción: Sin título.

A partir de la reflexión de la correa (más comúnmente denominada cinturón en España) como instrumento de opresión por un lado, debido a que es una herramienta de castigo muy utilizada por los padres hacia lxs hijxs en Latinoamérica, y por otra parte de placer compartido, formando parte de prácticas sexuales de sadomasoquismo, veo interesante basar la performance en esta contradicción dada en un instrumento tan cotidiano.

La acción consistiría en una persona con el rostro tapado para hacerla anónima, que ate a otras 2 personas mediante cinturones sus diferentes extremidades o partes del cuerpo, uniendo a estas personas. Al principio les atará flojo, pero luego irá revisando los cinturones ya colocados para ir apretándolos cada vez más. Con cada apretón, las personas atadas aumentan el placer, lo disfrutan y gimen, subiendo la intensidad hasta alcanzar casi un orgasmo.

 

-SATA GARCÍA 

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Acción: Ninihilismo.  

En este caso Sata ofrecerá tatuar la palabra NINI a un estudiante de la facultad de Bellas Artes de Madrid a cambio de la firma de un acuerdo donde la artista se compromete a ceder el porcentaje que corresponda al paro juvenil ( en la actualidad 41,7%) de la primera venta que realice de una obra. 

La obra de Sata García versa entre el ambiguo ámbito de “lo político/social” y la esfera del arte. A través del uso de elementos testigo como cifras, nombres, datos o circunstancias y espacios específicos, Sata desarrolla obras que abarcan desde la instalación hasta la acción pasando por la obra más objetual. De este modo se intenta establecer una relación o vínculo más directo tanto con la temática como con el público (a veces partícipe) de la problemática que la artista trata en cada pieza. Estas temáticas son seleccionadas en la mayor parte de las ocasiones gracias al contexto donde se realiza la obra, intentando que el detonante de la pieza sea el espacio donde se va a desarrollar la misma.

Web: http://cargocollective.com/lidiagarciasata

 

-PAUL ANGELO

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Acción: Sin título. 

 

 

Acerca de la acción: fabricado en la facultad de bellas artes, enredado en los conocimientos prácticos visuales y contemporáneos del dibujo al natural y la pintura al oleo, el discurso anarquista de los bodegones, las esculturas y el dibujo técnico, preparado para el comercio, una verdadera obra de arte, discusiva, subversiva, pintora, escultora, dibujante, artista. Gracias, bellas artes. Frágil, tratar con cuidado.

 

-NAY DAYARE 

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Acción: Abisal.

Esta pieza se construye desde mi propio abismo. Mostrándome y compartiéndome a través de los movimientos que me hacen bailar, y esos imaginarios que me sugieren y me conducen, voy preguntándome a cada instante qué eso que convierte a cualquier disciplina en arte y cómo se traduce a través del cuerpo de un intérprete. Consiste en dar viva, a partir de las palabras y su significado, a un objeto que es el cuerpo, y que es contemplado por otro solemne e inerte. La relación que establece entre estos dos mundos (entre el ‘mí’ y ‘lo otro’) se manifiesta al exterior a través del movimiento de mi performer. Experimentando con lo sonoro y jugando con el gesto se va generando una realidad aumentada a través de las cualidades expresivas de la danza, la palabra y la voz, diseñando una vía de comunicación que permita penetrar en esa sensación de caída hacia lo desconocido, descubriéndome así en otros sueños posibles.

Nay Dayare. Formada en Danza y Bellas Artes, Nay Dayare, se licencia en Madrid por la UCM en Periodismo, y se gradúa en Arte Dramático en la especialidad de Interpretación Gestual. Destacar su participación en el Festival de Arte y Acción: AcciónMad (Matadero. Madrid) o en la Exposición Cuerpo y Poder (Madrid). Asimismo, ha participado también en la XIV Edición del Festival de Danza Canarios Dentro y Fuera (Tenerife) o en la IV Edición de la Incubadora del Corral de Comedias (Alcalá de Henares. Madrid). En el presente, sigue gestando y dirigiendo proyectos artísticos en solitario y en colaboración. Ha sido locutora en Radio Círculo de Bellas Arte, y ha emitido en Radio Onda Cero y Radio Pulso. En ellas ha realizado diferentes tareas y participado en tertulias y lecturas dramatizadas.También ha desarrollado su labor como periodista en revistas, y en diarios de tirada nacional como El Mundo, o regionales como el Diario de Avisos . Actualmente desarrolla también su labor como docente. Forma parte de la compañía de teatro {Atolladeros}, espacio artístico teatral para personas con diversidad funcional; y junto a la Fundación Afanias trabaja con personas con discapacidad intelectual como mediadora artística en colegios y centros de mayores

 

-LUCAS AGUDELO 

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Acción: Espacio apretadito y otras sorpresas calientes.

Se aprovecha la invitación al primer congreso de Arte de Acción UCM para proponer la construcción de un espacio, muy pequeñito, para uso y disfrute de la comunidad Universitaria, de forma autónoma y autogestionada. Mi aportación consistirá en planear y llevar a cabo la construcción del Espacio apretadito durante los días miércoles 3 de mayo y durante los días del congreso, 4 y 5 de mayo, como una forma de acción específica, de trabajo en proceso, de escultura social, un T.A.Z., o simplemente como un gesto in situ, con la sincera intención de proponer nuevas formas de organización y participación Universitarias. En pasadas intervenciones en la Facultad de Bellas Artes y en el marco de AcciónMAD!2015, propuse el Minuto de Aullido Universitario y que consistía en plantear una convocatoria de Acción colectiva que se prestara a la producción de correspondencia y sensación de expresión común.

En general, como practicante del arte o de lo que llamamos arte, me interesa la Artesanía política, las reuniones en orgánico, el entusiasmo por hacer las cosas, y el arte para llevar debajo del brazo. Quiero que mi investigación artística proponga preguntas que puedan poner sobre la mesa problemáticas tensas, irresueltas, olvidadas, abandonadas o adormecidas. Es por esto que, dependiendo del contexto y sus determinantes políticas, sociales, económicas, humanas, etc, decido buscar la mejor forma de trabajar y comunicar esa experiencia, a través de distintos materiales y procesos. Me cansa una práctica estática y fija, tener una sola voz.

 

Lucas Agudelo. Sobre mis últimos trabajos/acciones, y que tengan relevancia con este congreso de Acción UCM, se podrían mencionar el “Minuto de Aullido Universitario”, “Fiesta de Citas Bibliográficas”, “Stand de decisiones Gratis”, “Vigilantes”y “Materia Oscura”. Mis procesos se han desarrollado en espacios/festivales/residencias, gracias a la invitación o fruto de convocatorias, tales como: Intransit en El Centro de Arte Complutense, AcciónMAD en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Contenedores de Arte de Acción en El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Revista la Más Bella, VOIX VIVES Toledo, Casa de Iberoamérica de Cádiz, “Arte de Paseo” en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, “Ruidocracia”, “Bordilíneos” en espacio JUP Oporto, “Arborizarte” en el Museo de Arte Moderno de Bogotá junto a Christie´s N.Y., “Pensar de pintura” en la UCM junto a CONACULTA de México, entre otros. Cabe mencionar el emprendimiento y la implicación en colectivos como Artista de Guardia y Dibujo Madrid.

Web: https://lucasagudelo.wordpress.com/

 

Vienes 5- Mesa IV (La Trasera)

9:00-11:00 h

-PALOMA RODERA MARTÍNEZ

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Ponencia: Lo posmoderno y sus símbolos en la escena de lo cotidiano. 

Modelo de análisis de prácticas culturales contemporáneas utilizando un conjunto de parámetros teatrales que permiten establecer una comparativas desde un punto científico. Se trata de atender y entender los fenómenos culturales que están sucediendo en la última década en los espacios contenedores destinados a la creación más contemporánea.

Éstos son los Espacios Intermedios. En ellos se establecen una serie de pautas de participación ciudadan que descabala los roles tradicionales del mercado del arte y de la experiencia cultural tal y como era conocida hasta el momento.

La mirada transdisciplinar es el eje central del análisis. Desde la historia de la cultura, la psicología, la teoría de la interpretación, la etología, y otras disciplinas que ayudan a dar una visión completa del objeto de análisis: la cultura contemporánea y sus contextos.

Hoy, en un momento en el que la cultura sufre un importante abandono por parte de las instituciones y políticas actuales al respecto, es fundamental la reivindicación ciudadana que está sucediendo en cada plaza, espacios en desuso que son recuperados y todos aquellos improvisados que constituyen por un período efímero un Espacio Intermedio.

 

Paloma Rodera es Doctora en Microsociología teatral, posee un Máster en Teatro y Artes Escénicas, una licenciatura en Bellas Artes y estudios en Filosofía.

Su obra ha sido expuesta en varias exposiciones temporales en España, Italia, Argentina y Estados Unidos; y es parte de colecciones permanentes en diversos museos y espacios de arte contemporáneo.

Trabaja como asesora y consultora de arte en Guirado Estate. También es crítica de arte y escribe en varias revistas especializadas en arte. Firma varias publicaciones relacionadas con entornos culturales en el ámbito académico y profesional.

Imparte conferencias sobre espacio urbano y arte contemporáneo dentro y fuera de España; además de seminarios y cursos en universidades de forma oficial, así como en contextos de educación no formal, sobre cultura.

Web: www.palomarodera.com

 

-ZAIDA GÓMEZ

Ponencia#Para tod.s nosotr.s”. Libres en acción. Libres en co-acción

 

-MARTA POL RIGAU 

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Foto: ARBAR- Acción/ Happening: Ramón Guimaraes.

PonenciaARBAR: el arte de acción en el entorno rural.

ARBAR (Asociación para la Investigación Biocultural y Artística de Rodes) es una organización independiente sin ánimo de lucro con sede en La Vall de Santa Creu – El Port de la Selva, ubicada en el Parque Natural del Cap de Creus, Girona. ARBAR como centro de arte contemporáneo enfoca su labor en establecer unas condiciones de producción y recepción adecuadas del arte de acción en el contexto rural.

El principal objetivo de ARBAR es convertirse en un espacio para cultivar ideas que posibiliten a los/las artistas desarrollar sus propuestas de arte de acción en el paraje natural de la Sierra de Rodes, para buscar posibles formas de interacción entre territorio, arte y participación social. Con este propósito, ARBAR ha reactivado zonas agrarias en desuso para dinamizar esta área geográfica como un specific-site y generar una nueva noción de territorio: el paso de la cultura agrícola a la cultura artística. Al mismo tiempo que, para poder reflexionar como actuar en los tiempos contemporáneos, señalar unos puntos de reflexión sobre la necesidad de hacer un giro del pensamiento hacia un ideario ecopoético, para intentar equilibrar  la posición antropocéntrica a partir de la ecocéntrica.

En estos últimos años se han llevado a cabo distintas intervenciones de las que cabe destacar: la construcción efímera Al bell mig de la vall realizada por el “Colectivo refugios, cabañas y otras construcciones efímeras” (2014), el ciclo bianual de arte de acción Itinerarios de transformación – caminos de pertenencia I-II (2015 y 2016), cuyos principios conceptuales se fundamentaban en la interacción del cuerpo en movimiento, la poesía, el happening … con el contexto y el ciclo: Acciones experienciales cultivadas desde el imaginario ecopoètic centrado en el diálogo performativo del lenguaje lingüístico, material y sonoro con el entorno rural.

Marta Pol Rigau, doctora y licenciada en Historia de arte por la Universidad Autònoma de Barcelona, de su labor como comisaria cabe destacar los ciclos anuales de arte de acción en la Fundació Espais de Girona (1992-2008); el Programa de acciones en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) dentro de la exposición Arte y Acción: Entre la performance y el Objeto (1998); el co-comisariado con Jaime Vallaure el encuentro Sin Número-Arte de Acción en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (1996); el co-comisariado con Carlos Pina el Festival Internacional de performance eBent en Barcelona (2006-2007), presentado en el Centre d’Art Santa Mónica de Barcelona; y, desde 2003 hasta 2006 fui asesora del Festival performance eBent.

Actualmente dirige el Centro de Arte y Cultura  ARBAR (Asociación para la investigación Biocultural y Artística de la Serra de Rodes), La Vall de Santa Creu,  Parc Natural del Cap de Creus, Girona. Centro especializado en  la investigación y producción de la práctica del arte de acción en relación con la naturaleza y los entornos rurales en desuso.

Recibió el Premio a la Crítica de la Fundació Espais de Girona por los textos de “Sin Número. Arte de Acción”  y la subvención del Ayuntamiento de Girona para la realización del proyecto Efímer: manifestacions d’art contemporani.

De los diversos artículos publicados en relación con el arte de acción destacamos: Les coses de Esther Ferrer realizada en la Fundación Tàpies de Barcelona, editado por “Plaerdemavida Asociación Feminista de Valencia, 1995; L’art d’acció en la dècada dels noranta a l’Estat Espanyol, Revista Eco, nº 2, Valencia, 1997 y L’art d’acció a l’Estat espanyol (1968-2000) –Metallenguate d’un context  polític/social/cultual, en Papers d’Art, nº76, Girona, 1999, donde continuó escribiendo hasta 2008 reflexiones en torno a los Ciclos de arte de acción comisariados para la Fundació Espais de Girona.

En estos momentos con Calos Tejo dirigimos FUGAS E INTERFERENCIAS. II CONGRESO DE ARTE DE ACCIÓN que se celebrará el CGAC de Santiago de ​Compostela.

Web: www.arbar.cat

 

-ALBERTO FLORES 

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Ponencia: L​a acción del cuerpo (y el alma) en la historia del Museo Vostell Malpartida, como dinamización social del entorno.

Se explorará la presencia continuada del cuerpo (y el alma) y la acción a lo largo de la historia del Museo Vostell Malpartida, un singular “museo sin muros” (en todos los sentidos) ubicado en un entorno natural y rural, cuya peculiar andadura se inició hace más de cuarenta años. Un relato retrospectivo, centrado en la dinamización social, que comenzará con las obras de Wolf Vostell “V.O.A.EX.” (1976) y “El muerto que tiene sed” (1978) –para cuya creación fue necesaria la participación activa de numerosos malpartideños– y concluirá en el momento presente. Y ocupando un espacio intermedio entre ambos hitos temporales una infinita gama de grises tejida bajo un cielo intensamente azul: desde una escuela de arte en la que todos son alumnos y todos son maestros (Vostell dixit) hasta Fluxus como estado de ánimo, acciones cotidianas de todos nosotros, performances de grandes artistas y de la savia nueva o – como escribe (literalmente) Ben Vautier en una de sus piezas en las colecciones del museo – the importance of none-importance.   

Alberto Flores es Técnico de Arte (conservador) en el Museo Vostell Malpartida, donde también co-coordina el Ciclo de Música Contemporánea. Sus principales intereses son el arte conceptual, Fluxus, el live art, la música exploratoria, el arte sonoro y la world music. Mientras que en el último ámbito ha trabajado en DD & Company (la rama española de WOMAD), en otras esferas su tesis doctoral analiza “Intervenciones, instalaciones visuales e instalaciones sonoras de Concha Jerez” (Universidad de Extremadura, 2006). En el ámbito del comisariado de exposiciones destaca “Ruidos, Silencios y la Transgresión Mordaz. De Fluxus al Techo-Noise” (Inéditos 2007, exhibida en La Casa Encendida, Madrid), en tanto que establece con carácter pionero paralelismos entre la actitud Fluxus y diversas corrientes musicales más contemporáneas que oscilan entre el grindcore y el japanoise. Este análisis de las intersecciones entre las artes visuales y las subculturas populares se ha materializado también en el Ciclo de Creación Electrónica (Cáceres), con programas temáticos dedicados entre 2008 y 2010 a la IDM o a sellos discográficos como Ninja Tune, Big Dada o Compost.

 

JUEVES 4- ACCIONES II (JARDÍN)

18:00-20:00 h

-ANAMUSMA, CELESTE MAO, ANALÍA BELTRÁN I JANÉS Y XIROU XIRAO.

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Foto: Abel Loureda.

Acción: Recetas de coco. 

Generalmente el grupo PACK trabajamos a partir de nuestras experiencias como individuos representantes de nuestro género y bagaje cultural. Nuestra identidad como humanos inmersos en un mundo que es, cada vez, más intercultural y más nacionalista. Puede parecer una contradicción, pero vemos en los acontecimientos mundiales diarios que no lo es.

Este puede ser el origen de la performance que vamos a presentar en el que la palabra clave es “tenacidad”, una propiedad física que define la capacidad de un mineral a ser roto o deformado. En ese sentido, un coco tiene mucha tenacidad. Por otra parte, la tenacidad también es una característica del carácter humano que significa la obstinación para llegar a cumplir un objetivo. A partir de esto entraremos en el juego metafórico que es el arte de acción

PACK (Performance Art Ckompany) es un proyecto de arte de acción que nace hace algo más de un año con el objetivo de trabajar el tema de la interculturalidad partiendo de las relaciones culturales China – España, y hacerlo de forma grupal. El grupo está actualmente formado por cuatro artistas, pero es flexible y abierto a la participación de más personas sean o no artistas.

PACK se reúne periódicamente para poner en común las propuestas en las que estamos trabajando y experimentar las mismas de forma práctica. Actualmente nos centramos especialmente en los objetos, para extraer de ellos su contenido poético, metafórico e incluso semiótico.

Las artistas que conforman el grupo actualmente tienen todas ellas su trayectoria personal, pero, como grupo, podemos decir que PACK a participado en el V encuentro MATSU en Madrid, junio 2016 y en Acción!MAD en noviembre de 2016.

-MÓNICA ARANEGUI

Acción: El amor no duele. 

Mónica Aranegui (Madrid, 1979) es artista, investigadora y docente en la Facultad de Bellas Artes de la U.C.M y en la escuela TAI. Su trabajo versa sobre lo autobiográfico, explorando las interacciones entre vida y arte.

Web: http://www.monicaaranegui.com/

 

 

-SOFIA FREITAS ABREU

Acción: Mi corazón no reconoce la palabra deconstrucción. 

Es una performance que reflexiona sobre la noción de tiempo. Sobre su plasticidad y materialidad. Viaja entre pasado, presente y futuro por medio de texto y relación plástica con la arquitectura.

Sofia Freitas Abreu. Formada en teatro y literatura, actualmente estudio en Madrid un máster de artes escénicas y cultura visual. Artísticamente lo que me mueve es el hecho de que veo en el arte una posibilidad de encuentro subjetiva que permite eliminar algunas fronteras. El limite entre lo real y lo posible. La manera en la que me afecto en la vida es por la movilidad de todo: del tiempo, de los pensamientos, de las ideas, de las políticas, de las tensiones, de los deseos, del agua, del caminar, de una conversación…. Y de como todo esto se adapta al espacio. Sea arquitectura, geografía, clima o paisaje.

 

-ANA SERPA Y REBECA MORENO.

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Acción:Inmundicias. 

Proyecto Chilco está integrado por Rebeca Moreno y Ana Mª Serpa, es creado en 2014 como proyecto educativo-artístico. Chilco se ha propuesto como principal línea de investigación: integrar el proceso artístico con otras áreas educativas, como la naturaleza. Para ello, se desarrollan una serie de talleres donde usamos lenguajes expresivos del arte contemporáneo, como la “instalación” o la “performance”.

Nuestros talleres se desarrollan a la par que nuestros trabajos artísticos quedando vinculados los unos a los otros.

Proyecto Chilco participó en el taller impartido por Nieves Correa en la Facultad de Bellas Artes de la UCM “Arte de Acción y Performance EN Y DESDE la Facultad de Bellas Artes”en 2015.Como cierre del taller Ana María presenta su performance ” Absorción”, en el festival AcciónMad15 llevado acabo en Matadero, con la colaboración de Rebeca. Esta performance se desarrolla en relación a los movimientos larvarios en pareja, así como la comunicación/compenetración entre las artistas.

En 2016 el colectivo participa en el taller de Bartolomé Ferrando. Dicho taller se lleva a cabo con motivo del festival de arte en acción que se desarrolla en Madrid de forma anual, AcciónMad. Después de tres días explorando herramientas de performance como la performatividad del lenguaje o los usos inusuales de diferentes materiales, se realiza una mustra pública en el salón de actos El Aguila, en Madrid.

En 2017 desarrolla junto a la Fundación Balia su taller “Anídate”dirigido a niños de primaria , donde realizan una instalación conjunta a través del movimiento.

Web: https://proyectochilco9.wixsite.com/educacionyarte

 

Jueves 4- Mesa III (La Trasera)

16:00-18:00 h

 

-NIEVES CORREA & ABEL LOUREDA

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Fotografía: Bartolomé Ferrando.

Ponencia: En once frases. 

Nieves Correa & Abel Loureda. 

“Ambos compartimos el mismo concepto acerca de la performance: simplicidad, no tecnología, objetos e ideas cotidianas… El proceso de creación en nuestro trabajo tiene relación con nuestra vida, nuestras esperanzas y nuestra relación como una reflexión inconsciente de nuestro proceso de conocimiento común. El azar, como tan a menudo en nuestras vidas, es un factor determinante que resuelve muchas de nuestras performances.

Trabajamos siempre con una “partitura” fija con la que controlamos el TIEMPO, el ESPACIO y nuestras PRESENCIAS. Lo que sucede en los resquicios de esa “partitura” es siempre una sorpresa tanto para nosotros como para la audiencia. Un equilibrio entre el control y el azar, lo consciente y lo inconsciente, sobre yo y nosotros.”

Después de una larga carrera por separado que se inicia a principios de los noventa, tanto en el campo de la creación como en el de la organización; en 2012 decidimos empezar una nueva etapa trabajando y viviendo juntos seguros de que la aventura de compartir el proceso de creación sería siempre interesante, enriquecedora y divertida. Desde entonces hemos participado en otros procesos de trabajo colectivo en torno a la performance como NeoNeoDADA (Berlín y Berna) y VaconVino (España).

Nuestros trabajos mas recientes han tenido lugar en Espacio o25rjj (Loupian / Francia), 22th NIPAF (Tokio – Osaka – Nagano / Japón), Espacio de Arte Contemporáneo EACC (Castellón), Bone Festival (Berna / Suiza), Taller en el Centro de Arte la Regenta (Gran Canaria), Sophiensalle (Berlín / Alemania), Kiasma Museum (Helsinki / Finlandia),  FAAC (Cuenca – Ecuador), Catalystic Art (Belfast / Irlanda del Norte), Museo Vostell (Malpartida de Cáceres).

Web: http://abelloureda.nievescorrea.org   www.nievescorrea.org

 

-LAURA DE LA COLINA Y DANIEL VILLEGAS.

Ponencia: Prácticas artísticas y acciones lúdico-festivas.

Laura de la Colina es doctora e investigadora en Bellas Artes. Actualmente es docente en la Universidad Complutense de Madrid. Su investigación se centra en lo pictórico y el conocimiento del medio para la conformación de la obra.

Daniel Villegas es doctor, investigador y docente en la Universidad Europea de Madrid. Ha trabajado como artista en el colectivo Fast Food y ha publicado artículos en diversas publicaciones y catálogos para exposiciones.

 

-ANALÍA BELTRÁN I JANÉS Y XIROU XIRAO

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Foto: Abel Loureda.

Ponencia: PACK (Performance Art Ckompany). Grupo de performance hispano-chino. 

 

Generalmente el grupo PACK trabajamos a partir de nuestras experiencias como individuos representantes de nuestro género y bagaje cultural. Nuestra identidad como humanos inmersos en un mundo que es, cada vez, más intercultural y más nacionalista. Puede parecer una contradicción, pero vemos en los acontecimientos mundiales diarios que no lo es.

Este puede ser el origen de la performance que vamos a presentar en el que la palabra clave es “tenacidad”, una propiedad física que define la capacidad de un mineral a ser roto o deformado. En ese sentido, un coco tiene mucha tenacidad. Por otra parte, la tenacidad también es una característica del carácter humano que significa la obstinación para llegar a cumplir un objetivo. A partir de esto entraremos en el juego metafórico que es el arte de acción

PACK (Performance Art Ckompany) es un proyecto de arte de acción que nace hace algo más de un año con el objetivo de trabajar el tema de la interculturalidad partiendo de las relaciones culturales China – España, y hacerlo de forma grupal. El grupo está actualmente formado por cuatro artistas, pero es flexible y abierto a la participación de más personas sean o no artistas.

PACK se reúne periódicamente para poner en común las propuestas en las que estamos trabajando y experimentar las mismas de forma práctica. Actualmente nos centramos especialmente en los objetos, para extraer de ellos su contenido poético, metafórico e incluso semiótico.

Las artistas que conforman el grupo actualmente tienen todas ellas su trayectoria personal, pero, como grupo, podemos decir que PACK a participado en el V encuentro MATSU en Madrid, junio 2016 y en Acción!MAD en noviembre de 2016.

 

-ANA MATEY E ISABEL LEÓN

Ponencia: EXCHANGE Live Art.

EXCHANGE Live Art investiga sobre la comunicación a través de la creación colectiva, y toma la “partitura” (o guión de performance) como paradigma de mensaje, como eje o hilo conductor de un proyecto en el que también están presente la escritura, la fotografía, el vídeo y la acción en vivo, como parte de un todo: diferentes manifestaciones artísticas que generan reflexión y pensamiento.

Creemos que la creación artística es un acto vivo, en el que proponemos compartir procesos artísticos, ideas y partituras de performance, así como maneras de entender el arte y la vida.

 

EXCHANGE Live Art es un proyecto que invita a trabajar a artistas de diferentes orígenes, trayectorias, culturas e intereses, partiendo de la idea de que ser conscientes de nuestras diferencias y compartirlas nos hace crecer como individuos y por tanto como sociedad, generando respeto y reflexiones periféricas e integradoras, frente a círculos cerrados de pensamiento. De esta manera, los artistas que participan en este proyecto se enfrentan a un gran reto: salir de su comodidad y crear desde la dificultad que conlleva compartir -dar y recibir- con personas diferentes a ellos, en un complejo e intenso proceso creativo y vital.

EXCHANGE Live Art nace en septiembre del 2012 de la mano de las artistas Isabel León y Ana Matey. Hasta el momento se han llevado a cabo 13 ediciones tanto dentro de España como en Noruega, Finlandia, Canadá y Marruecos. Se han involucrando 62 artistas, nacionales e internacionales y ha sido apoyado por instituciones, espacios independientes y asociaciones de artistas en cada uno de estos países.

Web: http://exchangeliveart.com/

 

 

Jueves 4 – Acciones I (Edificio principal)

13:00-15:00 h

-NIEVES CORREA Y ABEL LOUREDA

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Foto: Yolanda Pérez Herreras.

AcciónAbstracción II (revisitada).

Nieves Correa & Abel Loureda. 

“Ambos compartimos el mismo concepto acerca de la performance: simplicidad, no tecnología, objetos e ideas cotidianas… El proceso de creación en nuestro trabajo tiene relación con nuestra vida, nuestras esperanzas y nuestra relación como una reflexión inconsciente de nuestro proceso de conocimiento común. El azar, como tan a menudo en nuestras vidas, es un factor determinante que resuelve muchas de nuestras performances.

Trabajamos siempre con una “partitura” fija con la que controlamos el TIEMPO, el ESPACIO y nuestras PRESENCIAS. Lo que sucede en los resquicios de esa “partitura” es siempre una sorpresa tanto para nosotros como para la audiencia. Un equilibrio entre el control y el azar, lo consciente y lo inconsciente, sobre yo y nosotros.”

Después de una larga carrera por separado que se inicia a principios de los noventa, tanto en el campo de la creación como en el de la organización; en 2012 decidimos empezar una nueva etapa trabajando y viviendo juntos seguros de que la aventura de compartir el proceso de creación sería siempre interesante, enriquecedora y divertida. Desde entonces hemos participado en otros procesos de trabajo colectivo en torno a la performance como NeoNeoDADA (Berlín y Berna) y VaconVino (España).

Nuestros trabajos mas recientes han tenido lugar en Espacio o25rjj (Loupian / Francia), 22th NIPAF (Tokio – Osaka – Nagano / Japón), Espacio de Arte Contemporáneo EACC (Castellón), Bone Festival (Berna / Suiza), Taller en el Centro de Arte la Regenta (Gran Canaria), Sophiensalle (Berlín / Alemania), Kiasma Museum (Helsinki / Finlandia),  FAAC (Cuenca – Ecuador), Catalystic Art (Belfast / Irlanda del Norte), Museo Vostell (Malpartida de Cáceres).

Web: http://abelloureda.nievescorrea.org   www.nievescorrea.org

-LUIS SAN GREGORIO 

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Foto: Francisco Iglesias.

Acción: Complutín.

Luis San Gregorio. Estudiante de Bellas Artes inclinado hacia las prácticas audiovisuales, pero especialmente a la performance, con experiencia en espacios como la Juan Gallery o Acción!MAD.

Web: http://luissangregorio.wixsite.com/work

-ALEXANDER RÍOS 

AcciónVisita guiada por la Facultad que ya no es.

La Facultad de Bellas Artes ha vivido un fuerte cambio en los últimos años. ¿Qué ha pasado? ¿Cómo hemos llegado a esto? Haremos un recorrido por el pasado reciente de la Facultad para entender su presente. Un antiguo estudiante, no sin tristeza, regresa para contar su experiencia en la Facultad que ya no es.  

Mensajero, escritor, mago, ilusionista y presentador de programas de televisión ficticios. Mi trabajo artístico explora la creación de encuentros, situaciones y experiencias colectivas que responden a posibles relaciones entre arte, cotidianidad, capitalismo, y activismo. Uso principalmente la performance, la escritura, la autoedición y la instalación.

Web:  www.alexanderrios.wordpress.com

-LUCÍA PEIRÓ

Acción: Hilos.

Hilo es un proyecto que intenta descubrir las relaciones entre el cuerpo, el espacio, el sonido y el observador; entre cuerpo/espacio en un lugar determinado y en un momento determinado. Pero también es una acción que intenta averiguar y descubrir la interrelación entre el performer y el espectador trazando líneas entre la capacidad de observación del espectador, su pasividad y la posible interacción entre este y la acción que está viviendo. És una acción que indaga en un territorio determinado la capacidad de los espectadores de dejarse llevar, de integrarse dentro de o de salirse de voluntariamente. También es un proyecto que intenta mostrar las posibilidades de movimiento de un cuerpo o muchos cuerpos en una acción cotidiana como puede ser caminar, correr o trazar círculos en un espacio que a su vez, puede ser abierto o cerrado. Es un juego donde los cuerpos pueden quedar atrapados, formar parte de la acción o huir de ella; un proyecto que puede tener una presentación preestablecida o que puede ocupar el tejido urbano sin previo aviso interfiriendo en el quehacer de los viandantes. Es, además, un proyecto que estudia las posibilidades sonoras del movimiento y la palabra, que parte de un registro sonoro y que estudia como este registro cambia de significado según el espacio que habite y esto crea, a la vez, un estado de atención e introspección determinado.

-ELISA MIRAVALLES

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Acción: Ascenso-descenso en rojo. 

Todas mis performances son irrepetibles, y en cada una de ellas existe un gran contenido de improvisación. Debido a que éstas dependen de mi estado “del ser” en el que me encuentre en los días cercanos a la acción, de antemano no puedo asegurar cómo se llevará a cabo ésta. Puedo adelantar, eso sí, que la acción consistirá principalmente en crear un juego estético y real de equilibrios, desequilibrios y movimiento entre mi cuerpo y el espacio arquitectónico escogido, empleando como hilo conductor de la acción los elementos de un largo camino de tela roja y una enorme bandeja llena de manzanas del mismo color. Mediante el acto de ascender y descender un piso de escaleras, empleando en todo momento el color rojo y su desplazamiento y gravedad por el espacio a través de mi propio cuerpo, dotaré a la acción de una gran intensidad estética, física y emocional.
DURACIÓN: 15-20 min (aproximadamente) ESPACIO: la acción se desarrollará en un trayecto que va (en ambos sentidos) desde el hall principal (donde se encuentra “la Victoria de Samotracia”), pasando por los dos tramos de escaleras que llegan hasta la planta baja, para llegar finalmente frente a la entrada de la sala de exposiciones.
Currículo narrado resumido/art statement:

ELISA MIRAVALLES. Nacida en Roa (Burgos), 1987. Vive y trabaja en Madrid.
Actualmente imparte un taller de iniciación a la performance en el centro cultural Casa de Las Asociaciones (Rivas, Madrid).   TITULACIONES OFICIALES:   -Curso de Performance Acción!MAD impartido por Nieves Correa (2015-2016). -Máster en Investigación en Arte y Creación, Universidad Complutense de Madrid (2014-15). -Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (2012).
PREMIOS Y BECAS: -2015: Proyecto premiado en la 3ª edición de Entreacto 2015, Madrid, titulado “Hasta dónde llega mi cuerpo”.
– Becada por  la Accademia di Belle arti di Roma durante el curso académico 2008-2009
2017:
_ Performance “Formas de latir”, en el espacio Cultural Nave 73 con motivo del festival Femme Journeys, organizado por Pangea Cultura. _Performance “PASARELA”, en La Casa del Reloj (Madrid) con motivo de la inauguración “Mil caras de Dulcinea”. _Exposición colectiva “Mil caras de Dulcinea”   2016:    – Performance individual en el Festival Internacional AcciónMAD! 2016 (Madrid) –  Performance individual   en el festival “EQUINOX TO EQUINOX: A Global Performance Art Day Performance”(Madrid). – Performance en el Festival de arte contemporáneo SanFest (Guadalajara) – Festival de arte contemporáneo ArtSur (Córdoba) presentando la triple performance pictórica “3,3,3”. -Performance “El miedo”, junto a Esther Ferrer en Centro Sociocultural Joan Miró (Móstoles, Madrid).     2015: – Exposición colectiva “Indicar lo predicado”, Pangea Cultura, (Madrid). -Acción individual en el Festival AcciónMAD! (Madrid) -Acción  para el Colectivo debajo del Sombrero, en Matadero de Madrid, con motivo del Festival AcciónMAD! 2015 (Madrid). – Exposición colectiva “Ritos de presencia”, en el espacio cultural Nave 73 (Madrid). – Exposición individual en Galeria Alegria (Madrid), con motivo de Entreacto 2015. -Performance individual en Galeria Edurne, festival FLOP de acciones en El Escorial. – Performance colectiva en Cuerpo y poder, con el grupo de Acción!MAD (Madrid).

Web: www.elisamiravalles.com

-GRACIA TEXIDOR

Acción: Animal, mal, mal (extracto pieza: “VIDA (una…)”.

Como artista, mis intereses giran en torno a la composición e interpretación musical, a sus límites, sus reglas y sus supuestos. Mi obra es escénica, sin duda, a medio camino entre la música y el teatro, y en un limbo complejo en cuanto a espacios y contextos expositivos o “de representación”. Mi intención es hacer una pequeña muestra de mi trabajo, (resumido en un par de micro-escenas extraídas de mi pieza músico-teatral “VIDA (una…)”, espectáculo desarrollado gracias a las Ayudas INJUVE 2015.

LOOPING GREIS es un proyecto de voz, ritmo y tecnología. Es armonía y repetición, un mantra contemporáneo. Una sola intérprete y una máquina repetidora (Loop Station) como únicos recursos musicales en el show de una mujer-orquesta, que imita y reinventa cada instrumento o sonido con su voz y su cuerpo, con recursos del beat box y la percusión corporal. Gran parte del espectáculo es la construcción de cada tema a base de bucles, en definitiva, el manejo de la Loop Station.

Al mismo tiempo es imagen, es la creación de un ambiente y la narración de una historia comprometida política y socialmente, generando un desfile de personajes diversos que increpan al público con recursos del bufón y del teatro gestual.

Aunque las piezas son sonoras, el espectáculo es visual.

El proyecto nace en 2014, con un trabajo homónimo de 6 temas, “Looping Greis”, que se publican únicamente en You Tube. En 2015 el proyecto recibe la Ayuda a la Creación INJUVE, gracias a la cual, en 2016, se publica“2.0”, segundo trabajo de 6 canciones, y paralelamente, en Octubre, se estrena la obra “VIDA (Una…)”, una pieza músico-teatral.
Hasta ahora ha sido presentado en distintos escenarios de Madrid, Cuenca, Segovia, Valencia, Valladolid y Palencia, incluyendo  la radio de LH magazine, el festival de performance AcciónMad! 2014 y 2015 en Matadero Madrid, el festival Actúa Madrid de la cadena SER, Festival Permutaciones, etc…

Web: www.loopingreis.com

-LORENA IZQUIERDO Y MARIO MONTOYA

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Accion: Crin.

El diálogo es un proceso de descubrimiento de las posibilidades creativas que encierran sus y nuestras formas, de manera que, cuando la acción con un material no es realizada con intencionalidad, y entendemos por ello que no hay ejecutante, ni ejecutado, comienzan a desdibujarse los límites entre el cuerpo y el objeto, enriqueciendo así las diferentes lecturas de una acción poética.

Lorena Izquierdo​. Performer valenciana presente en festivales como Incubarte, Excentricites de Besançon, Intramurs, XXII Festival de arte sonoro y música electroacústica entre otros. Licenciada en Filosofía e Historia del Arte, formada en danza butoh, contact improvisación y movimiento libre. Estudió cello, fotografía y performance. En sus piezas explora diversos conceptos a través del cuerpo, el sonido, el espacio y los objetos cotidianos, ya sea en solitario, en dúo o en colectivo Albastru, donde desarrolla la relación entre acción, sonido y poesía, también indaga teóricamente sobre el arte experimental y organiza encuentros y talleres. La improvisación libre con músicos en distintas formaciones es algo que está desarrollando en profundidad durante estos últimos años.
Mario Montoya​. Técnico superior en Fotografía artística y diseño por la Escuela de Arte de Sevilla, donde finalizó sus estudios con el proyecto: Alegoría de una familia desestructurada, obra que consiguió el reconocimiento de diferentes festivales internacionales y con la que ha participado en numerosas exposiciones, este recorrido finalizó en el 2014 cuando conoció a Bartolomé Ferrando y con él, al tiempo, al espacio y a la presencia, comenzando desde aquí una práctica artística centrada en la experiencia directa. Graduado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, donde desarrolló su investigación en torno a la relación cuerpo/objeto. En la actualidad ha realizado más de 70 exposiciones en este campo y ha presentado su obra en multitud de encuentros y festivales de carácter internacional.

De forma paralela a sus producciones artísticas, dirigen la plataforma independiente Diáleg Obert, desde donde realizan la gestión y comisariado de diversos proyectos culturales como el programa de formación internacional FORMA-TEM, ofrecido desde el Teatre El Musical de Valencia o las Jornadas de Arte de Acción – Sobre la resistencia, encuentro anual que reúne a diferentes profesionales de la performance en España.

Jueves 4 – Mesa I y Mesa II (La Trasera)

MESA 1         9:30-11:00 h

 

-ALBA SOTO

Ponencia: Herramientas de entrenamiento escénico para Bellas Artes. 

En esta presentación mostraré, desde la acción, algunas de las herramientas que llevo utilizando desde hace años como docente, tanto en el ámbito académico como extraacadémico. Esta metodología se sustenta en la conjugación de disciplinas artísticas, aplicando algunos de los ejercicios de entrenamiento del/la artista escénico/a sobre los procesos de construcción en las Bellas Artes.

Estas herramientas ayudan a la mejora e internalización de ciertas cualidades interdisciplinares y puestas en práctica de conceptos básicos, que apenas se contemplan en la formación del/la artista visual. Considero fundamental, para el desarrollo de cualquier disciplina artística y el crecimiento profesional y personal, entender y transitar por los siguientes conceptos:

  Cuerpo-presencia / Objeto-Narrativa-Simbolismo / Espacio-Contexto-Atmósfera

Los talleres que imparto en las Aulas de Bellas Artes se plantean como espacios para hacerse preguntas, que se contestan a partir de la experiencia y de la indagación desde y hacia lo que nos rodea. Hacen hincapié en nuestro entorno cotidiano y destacan los parámetros constantes del tiempo, el espacio y la presencia, con sus particularidades y variedad de percepciones.

Considero fundamentales, para el desarrollo de estos parámetros, una serie de ejercicios que desarrollan y potencian:

 

  • La IMPROVISACIÓN Y ADAPTACIÓN: Impulso, Confianza, Riesgo y Sorpresa
  • La PERCEPCIÓN SENSORIAL: Memoria, Emoción, Atención y Curiosidad
  • La REFLEXIÓN: Análisis y Narrativas
  • La COMUNICACIÓN: Honestidad, Concreción y Síntesis

Alba Soto es doctora en Bellas Artes y artista en activo. Su formación combina las artes visuales y las artes escénicas, especializándose en herramientas interdisciplinares y performativas para la creación y la práctica docente. Desde el año 2007 es profesora universitaria y ha sido coordinadora del Área de Proyectos y del Grado en Bellas Artes de la Universidad Nebrija.  Ha impartido seminarios sobre en universidades internacionales como Kymenlaakson  University of Applied Sciences en Finlandia, UCA University for the Creative Art en Inglaterra, Hoschule für Künste Bremen en Alemania, Universidad de Los Andes en Colombia, SAIC School of the Art Institut of Chicago, etc. y ha participado en festivales y exposiciones nacionales e internacionales con piezas de video, performance y dibujo.

La  obra de Alba Soto reside en la variedad de procesos y en la flexibilidad de técnicas. Esta supuesta dispersión concatena un universo particular, que se relaciona entre sí, siendo partícipe de un discurso coherente y simultáneo, basado en la intuición, la espontaneidad y la sorpresa como modos de supervivencia.

Su universo performativo parte de la realidad circundante, utilizando las vivencias e imágenes más íntimas para investigarlas y sanarlas a partir de la acción escénica y el contacto directo con el espacio y el espectador, siempre variable. Estas experiencias, preguntas y deseos se reconstruyen de un modo simbólico y ritual con inevitables tintes de ironía.

“Utilizo mi trabajo para que se produzca un cambio de patrones. Deseo descubrirme como soy, investigo posibilidades en pos de esa libertad, intentando alejarme de las fórmulas y del artificio. Reivindico mi propio derecho de expresión, reivindico lo que soy asumiéndolo con la mayor franqueza posible y siempre tengo presente la voz de Emily Dickinson, que susurra “Vivo en la posibilidad”…”

Web: http://www.albasoto.com/

 

-ALBERTO CHINCHÓN

Ponencia:  Consideraciones sobre el carácter narrativo del arte de acción en la época de la vídeo masificación. 

Mediante la presente exposición se pretende dar cierta claridad a algunos aspectos que como artista e investigador se han ido apreciando de manera, si no exclusiva,  bastante generalizada en torno a las artes de acción y donde se observa un mayor peso de lo narrativo e incluso un acercamiento a lo que podríamos denominar teatral.

Si los míticos trabajos de los años 60 y en especial los 70 y 80 realizaban una búsqueda de los límites del cuerpo a través de lo abyecto y lo violento, permeando el límite mismo de la representación, en una especie de búsqueda de la “presentación” y el roce con lo Real; los artistas del siglo XXI sin, necesariamente, abandonar practicas dolorosas o abyectas realizan puestas en escena que acaban por conformar una narratividad, alguna clase de discurso (con diferentes matices de “lo narrativo”) que, de alguna manera la aproximan a lo teatral, dejándola en un límite acción- teatro. No obstante no se pretende defender que la acción haya sido subsumida por el teatro, dado que las diferencias aún son remarcables, especialmente con cierto tipo de representación teatral (en otros casos la frontera es menos palpable), pero indudablemente, respecto al furor “presentacional” de los años 70, el arte de acción del siglo XXI se ha teatralizado.

Sin pretender aludir a una única causa para esta trasformación, y siendo consciente de que conviven muchas y diversas maneras de entender el arte de acción, si parece razonable vincular este cambio a un profundo cambio en el estatuto de la imagen acaecido en los 15 últimos años, donde el artista ya no es el único y gran productor de imágenes. En la actualidad las imágenes son creadas y distribuidas, se alude al impersonal “son” puesto que a pesar de que alguien las tenga que producir, la cantidad de éstas, la pérdida de autoría y lo salvaje de su distribución, permiten apreciarlas como espontaneas. Esta génesis masiva de la imagen (Instagram, Youtube, Vimeo, Facebook,…) puede hacer entender que están desvinculadas del mundo del arte, sin embargo, tienen una gran influencia a la hora de establecer el propio término arte y dilucidar donde se puede encontrar su frontera.

De tal manera que para los artistas ya no es suficiente la génesis de imágenes poderosas (fotos y vídeos) para justificar su especificidad artística (el contexto lo evidencia también pero no de manera lo suficientemente determinante) y es necesario, frente a unas imágenes similares en su calidad (y no sólo técnica, sino compositiva, formal,…) generar un discurso que las sitúe en unos parámetros diferentes, alejado de lo exclusivamente lúdico mediático y que resulta determinante en el proceso de diferenciación de ambas imágenes y la inclusión de las últimas como obras de arte. Si bien este discurso podría establecerse exclusivamente en un “paratexto” (mediante una aclaración escrita del artista) éste resulta insuficiente, extraño y alejado del contexto de la propia vídeo masificación, siendo necesario que de alguna manera aparezca incluido en el propio devenir de la imagen artística, siendo por tanto, casi obligatorio desarrollar una narratividad en la obra.

a 1973. Artista plástico. Ha participado en varios encuentros nacionales e internacionales, como la exposición Deformes en Santiago de Chile. Entre sus exposiciones de video y video­instalación se cuentan Generaciones o Inéditos. Ha expuesto en la Galería Pi&Margall, La Noche en Blanco, El Matadero…

Junto a Miguel Palancares conformaron el colectivo PAN en el 2006 y realizan numerosas acciones, entre ellas: Conspiración” Madrid 06 Arte, en el Jardín Botánico de Madrid;“Alterofobia”en el “IV encuentro internacional de performance” en la Galería Centro de Arte Moderno de Madrid; o “Manifiesto Bufo” en la Galería Menos Uno de Madrid, entre otros. Recientemente participaron en el encuentro Hybrid.

En la actualidad es profesor de la Universidad Europea de Madrid.

Web: http://bandapan.com/

 

-GEOCONDA JACOME VILLACRES

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Ponencia: Semillero de Investigación del Proyecto de Mujeres Artistas ecuatorianas en el performance. 

Es una investigación doctoral que me encuentro desarrollando en el cual se generan semilleros de investigación con los estudiantes de la Universidad Central del Ecuador de la Facultad de Artes en  la asignatura de pintura abstraccionismo.

Geoconda Jacome Villacres. Actualmente cursa estudios de Doctorado en la Universidad Complutense de Madrid. 2014: Máster en Investigación en Arte y Creación (Universidad Complutense de Madrid).  Exposiciones: 2015: Crónicas de la 24 de Mayo, Estampería Quiteña. 2011: Málaga Crea OFF,  La Caja Blanca. 2008: Realismos Radicales, Museo Nacional del Banco Central del Ecuador, Quito. 2006: VIII Certamen de Otoño de las Artes Plásticas, Fundación Vipren Cádiz. 2005: Exposición Heterónimos, Andén 16. Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

 

MESA II     11:30-13:00 h

 

-JANIRE GOIKOETXEA ARZA

PonenciaÚltimas Tendencias en Performance y Nuevos medios, y su implementación en el mercado del arte.

Janire Goikoetxea Arza es Historiadora del Arte especializada en New Media. Tiene una amplia experiencia en el campo del arte de acción, trabajando con colectivos como Colectivo Quintanada (Brasil) y Factoría Fuegos para el Festival Scratxe Underground. Su trabajo ha sido expuesto en Acción!Mad, ha tenido la ocasión de realizar un taller con Esther Ferrer, y ha trabajado como comisaria para  el Curatorial y Publishing and Digital Media del Museo Solomon. R. Guggenheim de Nueva York.

Actualmente trabaja como crítica cultural para varios medios y como Curator y Head of Art&Technology en MINDFAC, agencia creativa.

 

-JOSÉ DELGADO PERIÑAN 

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Ponencia: Jalepá ta kalá: arte, vida, trabajo y violencia.

Usando como pretexto un conflicto laboral vivido en primera persona dentro del Museo Reina Sofía, trataré las fronteras entre arte, vida, trabajo y violencia. Proyectaré y leeré fragmentos de los documentos de denuncia dirigidos a patronato y dirección del MNCARS elaborados por mi padre (abogado laboralista), así como la carta de despido, la sentencia del juicio y el recurso a esta. Relataré cómo el acto de tapar el logotipo de la empresa a través de la cual trabajábamos y de reclamar derechos básicos supuso nuestro despido por indisciplina. La fractalización del trabajo en un museo servirá como excusa para citar aspectos fundamentales del pensamiento de autores como Negri, Hannah Arent o Foucault. Se tratará de relacionar lo acontecido con la “mecánica del poder”, el “capital reactivo”, “autonomía y desregulación”, los “cuerpos dóciles”, la “sociedad de control” o el “rechazo al trabajo”.

José Delgado Periñán (Madrid, 1982) Estudia Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid (2001-2007) y en L’École Supérieure des Arts Saint-Luc de Lieja (2005), participando en el Programa de Estudios Avanzados en Prácticas Críticas del MNCARS (2014), museo en el que fué técnico de manipulación y montaje. También ha trabajado como especialista en Centre Pompidou-Metz y para galerías de arte como Salvador Díaz o Marlborough. Como asistente de estudio ha trabajado para artistas como David Rodríguez Caballero, Jesús Curiá o Javier Viver. Interesado en prácticas comunitarias, su obra ha sido mostrada en exposiciones colectivas de espacios no comerciales e individualmente, en Función Lenguaje, Madrid (2013 y 2016). Forma parte del grupo de música ELM y del estudio El Forn, complementa su actividad artística con su trabajo como agente cultural y comisario con Sur Noir.

Web: https://josedelgadoperinan.com/

 

-AIDA OLIVERA BENITO

PonenciaPrácticas de violencia y masoquismo en la performance.

Aida Olivera Benito es Historiadora del Arte por la Universidad de Salamanca y Crítico de Arte Contemporáneo. Ha colaborado con varias instituciones, como el Museo de Salamanca o La Fiambrera Art Gallery.