Jueves 4 – Mesa I y Mesa II (La Trasera)

MESA 1         9:30-11:00 h

 

-ALBA SOTO

Ponencia: Herramientas de entrenamiento escénico para Bellas Artes. 

En esta presentación mostraré, desde la acción, algunas de las herramientas que llevo utilizando desde hace años como docente, tanto en el ámbito académico como extraacadémico. Esta metodología se sustenta en la conjugación de disciplinas artísticas, aplicando algunos de los ejercicios de entrenamiento del/la artista escénico/a sobre los procesos de construcción en las Bellas Artes.

Estas herramientas ayudan a la mejora e internalización de ciertas cualidades interdisciplinares y puestas en práctica de conceptos básicos, que apenas se contemplan en la formación del/la artista visual. Considero fundamental, para el desarrollo de cualquier disciplina artística y el crecimiento profesional y personal, entender y transitar por los siguientes conceptos:

  Cuerpo-presencia / Objeto-Narrativa-Simbolismo / Espacio-Contexto-Atmósfera

Los talleres que imparto en las Aulas de Bellas Artes se plantean como espacios para hacerse preguntas, que se contestan a partir de la experiencia y de la indagación desde y hacia lo que nos rodea. Hacen hincapié en nuestro entorno cotidiano y destacan los parámetros constantes del tiempo, el espacio y la presencia, con sus particularidades y variedad de percepciones.

Considero fundamentales, para el desarrollo de estos parámetros, una serie de ejercicios que desarrollan y potencian:

 

  • La IMPROVISACIÓN Y ADAPTACIÓN: Impulso, Confianza, Riesgo y Sorpresa
  • La PERCEPCIÓN SENSORIAL: Memoria, Emoción, Atención y Curiosidad
  • La REFLEXIÓN: Análisis y Narrativas
  • La COMUNICACIÓN: Honestidad, Concreción y Síntesis

Alba Soto es doctora en Bellas Artes y artista en activo. Su formación combina las artes visuales y las artes escénicas, especializándose en herramientas interdisciplinares y performativas para la creación y la práctica docente. Desde el año 2007 es profesora universitaria y ha sido coordinadora del Área de Proyectos y del Grado en Bellas Artes de la Universidad Nebrija.  Ha impartido seminarios sobre en universidades internacionales como Kymenlaakson  University of Applied Sciences en Finlandia, UCA University for the Creative Art en Inglaterra, Hoschule für Künste Bremen en Alemania, Universidad de Los Andes en Colombia, SAIC School of the Art Institut of Chicago, etc. y ha participado en festivales y exposiciones nacionales e internacionales con piezas de video, performance y dibujo.

La  obra de Alba Soto reside en la variedad de procesos y en la flexibilidad de técnicas. Esta supuesta dispersión concatena un universo particular, que se relaciona entre sí, siendo partícipe de un discurso coherente y simultáneo, basado en la intuición, la espontaneidad y la sorpresa como modos de supervivencia.

Su universo performativo parte de la realidad circundante, utilizando las vivencias e imágenes más íntimas para investigarlas y sanarlas a partir de la acción escénica y el contacto directo con el espacio y el espectador, siempre variable. Estas experiencias, preguntas y deseos se reconstruyen de un modo simbólico y ritual con inevitables tintes de ironía.

“Utilizo mi trabajo para que se produzca un cambio de patrones. Deseo descubrirme como soy, investigo posibilidades en pos de esa libertad, intentando alejarme de las fórmulas y del artificio. Reivindico mi propio derecho de expresión, reivindico lo que soy asumiéndolo con la mayor franqueza posible y siempre tengo presente la voz de Emily Dickinson, que susurra “Vivo en la posibilidad”…”

Web: http://www.albasoto.com/

 

-ALBERTO CHINCHÓN

Ponencia:  Consideraciones sobre el carácter narrativo del arte de acción en la época de la vídeo masificación. 

Mediante la presente exposición se pretende dar cierta claridad a algunos aspectos que como artista e investigador se han ido apreciando de manera, si no exclusiva,  bastante generalizada en torno a las artes de acción y donde se observa un mayor peso de lo narrativo e incluso un acercamiento a lo que podríamos denominar teatral.

Si los míticos trabajos de los años 60 y en especial los 70 y 80 realizaban una búsqueda de los límites del cuerpo a través de lo abyecto y lo violento, permeando el límite mismo de la representación, en una especie de búsqueda de la “presentación” y el roce con lo Real; los artistas del siglo XXI sin, necesariamente, abandonar practicas dolorosas o abyectas realizan puestas en escena que acaban por conformar una narratividad, alguna clase de discurso (con diferentes matices de “lo narrativo”) que, de alguna manera la aproximan a lo teatral, dejándola en un límite acción- teatro. No obstante no se pretende defender que la acción haya sido subsumida por el teatro, dado que las diferencias aún son remarcables, especialmente con cierto tipo de representación teatral (en otros casos la frontera es menos palpable), pero indudablemente, respecto al furor “presentacional” de los años 70, el arte de acción del siglo XXI se ha teatralizado.

Sin pretender aludir a una única causa para esta trasformación, y siendo consciente de que conviven muchas y diversas maneras de entender el arte de acción, si parece razonable vincular este cambio a un profundo cambio en el estatuto de la imagen acaecido en los 15 últimos años, donde el artista ya no es el único y gran productor de imágenes. En la actualidad las imágenes son creadas y distribuidas, se alude al impersonal “son” puesto que a pesar de que alguien las tenga que producir, la cantidad de éstas, la pérdida de autoría y lo salvaje de su distribución, permiten apreciarlas como espontaneas. Esta génesis masiva de la imagen (Instagram, Youtube, Vimeo, Facebook,…) puede hacer entender que están desvinculadas del mundo del arte, sin embargo, tienen una gran influencia a la hora de establecer el propio término arte y dilucidar donde se puede encontrar su frontera.

De tal manera que para los artistas ya no es suficiente la génesis de imágenes poderosas (fotos y vídeos) para justificar su especificidad artística (el contexto lo evidencia también pero no de manera lo suficientemente determinante) y es necesario, frente a unas imágenes similares en su calidad (y no sólo técnica, sino compositiva, formal,…) generar un discurso que las sitúe en unos parámetros diferentes, alejado de lo exclusivamente lúdico mediático y que resulta determinante en el proceso de diferenciación de ambas imágenes y la inclusión de las últimas como obras de arte. Si bien este discurso podría establecerse exclusivamente en un “paratexto” (mediante una aclaración escrita del artista) éste resulta insuficiente, extraño y alejado del contexto de la propia vídeo masificación, siendo necesario que de alguna manera aparezca incluido en el propio devenir de la imagen artística, siendo por tanto, casi obligatorio desarrollar una narratividad en la obra.

a 1973. Artista plástico. Ha participado en varios encuentros nacionales e internacionales, como la exposición Deformes en Santiago de Chile. Entre sus exposiciones de video y video­instalación se cuentan Generaciones o Inéditos. Ha expuesto en la Galería Pi&Margall, La Noche en Blanco, El Matadero…

Junto a Miguel Palancares conformaron el colectivo PAN en el 2006 y realizan numerosas acciones, entre ellas: Conspiración” Madrid 06 Arte, en el Jardín Botánico de Madrid;“Alterofobia”en el “IV encuentro internacional de performance” en la Galería Centro de Arte Moderno de Madrid; o “Manifiesto Bufo” en la Galería Menos Uno de Madrid, entre otros. Recientemente participaron en el encuentro Hybrid.

En la actualidad es profesor de la Universidad Europea de Madrid.

Web: http://bandapan.com/

 

-GEOCONDA JACOME VILLACRES

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Ponencia: Semillero de Investigación del Proyecto de Mujeres Artistas ecuatorianas en el performance. 

Es una investigación doctoral que me encuentro desarrollando en el cual se generan semilleros de investigación con los estudiantes de la Universidad Central del Ecuador de la Facultad de Artes en  la asignatura de pintura abstraccionismo.

Geoconda Jacome Villacres. Actualmente cursa estudios de Doctorado en la Universidad Complutense de Madrid. 2014: Máster en Investigación en Arte y Creación (Universidad Complutense de Madrid).  Exposiciones: 2015: Crónicas de la 24 de Mayo, Estampería Quiteña. 2011: Málaga Crea OFF,  La Caja Blanca. 2008: Realismos Radicales, Museo Nacional del Banco Central del Ecuador, Quito. 2006: VIII Certamen de Otoño de las Artes Plásticas, Fundación Vipren Cádiz. 2005: Exposición Heterónimos, Andén 16. Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

 

MESA II     11:30-13:00 h

 

-JANIRE GOIKOETXEA ARZA

PonenciaÚltimas Tendencias en Performance y Nuevos medios, y su implementación en el mercado del arte.

Janire Goikoetxea Arza es Historiadora del Arte especializada en New Media. Tiene una amplia experiencia en el campo del arte de acción, trabajando con colectivos como Colectivo Quintanada (Brasil) y Factoría Fuegos para el Festival Scratxe Underground. Su trabajo ha sido expuesto en Acción!Mad, ha tenido la ocasión de realizar un taller con Esther Ferrer, y ha trabajado como comisaria para  el Curatorial y Publishing and Digital Media del Museo Solomon. R. Guggenheim de Nueva York.

Actualmente trabaja como crítica cultural para varios medios y como Curator y Head of Art&Technology en MINDFAC, agencia creativa.

 

-JOSÉ DELGADO PERIÑAN 

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Ponencia: Jalepá ta kalá: arte, vida, trabajo y violencia.

Usando como pretexto un conflicto laboral vivido en primera persona dentro del Museo Reina Sofía, trataré las fronteras entre arte, vida, trabajo y violencia. Proyectaré y leeré fragmentos de los documentos de denuncia dirigidos a patronato y dirección del MNCARS elaborados por mi padre (abogado laboralista), así como la carta de despido, la sentencia del juicio y el recurso a esta. Relataré cómo el acto de tapar el logotipo de la empresa a través de la cual trabajábamos y de reclamar derechos básicos supuso nuestro despido por indisciplina. La fractalización del trabajo en un museo servirá como excusa para citar aspectos fundamentales del pensamiento de autores como Negri, Hannah Arent o Foucault. Se tratará de relacionar lo acontecido con la “mecánica del poder”, el “capital reactivo”, “autonomía y desregulación”, los “cuerpos dóciles”, la “sociedad de control” o el “rechazo al trabajo”.

José Delgado Periñán (Madrid, 1982) Estudia Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid (2001-2007) y en L’École Supérieure des Arts Saint-Luc de Lieja (2005), participando en el Programa de Estudios Avanzados en Prácticas Críticas del MNCARS (2014), museo en el que fué técnico de manipulación y montaje. También ha trabajado como especialista en Centre Pompidou-Metz y para galerías de arte como Salvador Díaz o Marlborough. Como asistente de estudio ha trabajado para artistas como David Rodríguez Caballero, Jesús Curiá o Javier Viver. Interesado en prácticas comunitarias, su obra ha sido mostrada en exposiciones colectivas de espacios no comerciales e individualmente, en Función Lenguaje, Madrid (2013 y 2016). Forma parte del grupo de música ELM y del estudio El Forn, complementa su actividad artística con su trabajo como agente cultural y comisario con Sur Noir.

Web: https://josedelgadoperinan.com/

 

-AIDA OLIVERA BENITO

PonenciaPrácticas de violencia y masoquismo en la performance.

Aida Olivera Benito es Historiadora del Arte por la Universidad de Salamanca y Crítico de Arte Contemporáneo. Ha colaborado con varias instituciones, como el Museo de Salamanca o La Fiambrera Art Gallery.

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